Conceptos Clave en Historia del Arte y Teoría Visual

En este artículo exploraremos los Conceptos Clave en Historia del Arte y Teoría Visual, esenciales para entender la evolución artística y las diversas formas de interpretar las imágenes. Desde las grandes corrientes historiográficas del siglo XX hasta las innovadoras propuestas de Aby Warburg, Philippe Dubois y Hito Steyerl, este recorrido te proporcionará una base sólida para tus estudios. Prepárate para desentrañar cómo percibimos, creamos y somos influenciados por el arte y las imágenes en diferentes épocas y contextos.

Un Análisis Exhaustivo de los Conceptos Clave en Historia del Arte y Teoría Visual

Tradicionalmente, la historiografía artística del siglo XX se ha dividido en dos grandes corrientes: el formalismo y la iconografía/iconología. Ambas ofrecen perspectivas distintas sobre el arte, aunque Aby Warburg buscó trascenderlas con su revolucionaria "ciencia de la imagen".

Formalismo: La Forma por Encima del Significado

El formalismo se enfoca en el análisis de la forma de la obra de arte, priorizando los aspectos estéticos y técnicos sobre el contenido. Esta corriente ve la historia del arte como una sucesión "biológica" de estilos.

• Enfoque: Pone énfasis en los aspectos estilísticos, estéticos y técnicos de las obras de arte.
• Visión de la historia: Interpreta la evolución del arte como una sucesión de estilos, a menudo con etapas arcaicas, clásicas y de decadencia.
• Autores clave: Alois Riegl y Heinrich Wölfflin son sus principales exponentes.
• Crítica de Warburg: Aby Warburg consideraba esta visión superficial, llamando despectivamente "estetas hedonistas" a quienes solo se fijaban en la belleza formal sin atender la carga emocional o psicológica.

Iconografía/Iconología: El Mensaje y el Contenido

Esta corriente se centra en el mensaje y el significado de lo que se representa en la obra. La iconología es una profundización de la iconografía, buscando el sentido cultural y antropológico de las imágenes.

• Enfoque: Contempla la historia del arte desde el punto de vista de los contenidos y los temas representados, identificando motivos, historias y alegorías.
• Autores clave: Erwin Panofsky es su máximo representante, con Aby Warburg como su precursor directo.
• Evolución: Panofsky y Fritz Saxl desarrollaron métodos para analizar cómo temas clásicos (como la mitología) sobrevivieron y se transformaron en la Edad Media y el Renacimiento.

La Perspectiva de Aby Warburg: Más Allá de las Simplificaciones

Aby Warburg, aunque precursor de la iconografía, buscaba una "ciencia de la imagen" que superara tanto el análisis formal como el iconográfico. Su propuesta se centraba en la "psicología de la imagen", explorando sus raíces antropológicas y emocionales.

• Insuficiencia del análisis: Para Warburg, ni el análisis formal (estilo) ni el iconográfico (tema) eran suficientes para explicar la "vida de la imagen".
• Psicología de la imagen: Propuso explorar el "intrincado subterráneo de raíces" psicológicas y antropológicas, analizando las imágenes como depósitos de memoria colectiva y tensión emocional (Pathosformel).
• Conceptos entrelazados: Sus ideas sobre memoria, Renacimiento, magia y método están profundamente conectadas.

Las Ideas Fundamentales de Aby Warburg: Un Estudio Profundo

El pensamiento de Aby Warburg, como lo expone Fernando Checa, integra la memoria, el Renacimiento, la magia y su innovador método en una "ciencia de la imagen".

1. La Memoria (Mnemosyne): Depósito de Emociones

Para Warburg, la memoria es social y colectiva, un depósito de experiencias emocionales que las imágenes pueden reactivar. La biblioteca Warburg (KWB), organizada por "afinidad temática", es un testamento de su interés por la interconexión cultural.

• Engramas: Las imágenes funcionan como "engramas" o huellas psíquicas de alta tensión emocional que sobreviven en la memoria colectiva y pueden ser reactivadas siglos después.
• Teatro de la memoria: Su obra cumbre, el Atlas Mnemosyne, es un "teatro de la memoria" que cartografía estas huellas a través de la historia.
• Espacio de pensamiento: La memoria crea un "espacio intermedio" entre el sujeto y el mundo, permitiendo al artista procesar impulsos primarios y transformarlos en creación consciente (Sophrosyne).
• Polaridad: La creación artística oscila entre dos polos: lo dionisíaco (movimiento, caos) y lo apolíneo (racionalizador, orden), con el Sophrosyne como equilibrio.

2. El Renacimiento: Supervivencia de la Antigüedad

Warburg ofrece una visión del Renacimiento que va más allá de la búsqueda de la belleza clásica, entendiéndolo como un periodo de tensión y supervivencia cultural.

• La "doble máscara": El Renacimiento es un periodo con una doble cara: la influencia de la astrología y el mito (lo irracional) y el progreso hacia el pensamiento racional y científico.
• Supervivencia de la Antigüedad (Nachleben): No fue un "renacer" estático, sino la supervivencia y transformación de modelos antiguos cargados de fuerza gestual y emocional (Pathosformel).
• La irrupción del movimiento: La figura de la "Ninfa" (Láminas 46-47) personifica la entrada de una vitalidad antigua y un movimiento desenfrenado en el arte del siglo XV, rompiendo la rigidez medieval.

3. La Magia y la Ciencia: Oscilación Cultural

Warburg analiza la cultura como una constante oscilación entre la magia (superstición) y la lógica (ciencia), reflejando la lucha interna del Renacimiento.

• Destrucción del espacio: La magia "destruye el espacio de pensamiento" al unir al hombre con el objeto mediante vínculos supersticiosos, mientras que la lógica crea la distancia necesaria para el conocimiento.
• De la astrología a la astronomía: El paso de la interpretación mística de los astros a la ciencia de figuras como Johannes Kepler, que transformó el miedo a los astros en leyes matemáticas.
• Desmonización: El arte y la ciencia actúan como herramientas de "desmonización", liberando al hombre del terror ante las fuerzas de la naturaleza.

4. El Método: El Atlas Mnemosyne

La metodología de Warburg rompió con las formas tradicionales de estudiar la historia del arte, optando por un enfoque acronológico y transcultural.

• Psicología de la imagen: Su método busca entender la carga psicológica y antropológica de las imágenes, más allá del estilo o el tema.
• Montaje acronológico: El Atlas consiste en paneles negros con fotografías de diversas fuentes (arte, mapas, prensa) agrupadas por afinidades expresivas y temáticas, sin seguir una línea de tiempo lineal.
• Migración de las imágenes: Se centra en rastrear cómo las imágenes "viajan" a través del tiempo y el espacio (de Oriente a Occidente, o del Norte al Sur de Europa), transformando su significado pero manteniendo su esencia emocional (engramas).
• Legado e Influencia: La obra de Warburg es un "teatro de la memoria" que rompió jerarquías entre "bellas artes" y artes aplicadas, influyendo en la cultura visual contemporánea al conectar arte con antropología y memoria colectiva.

Ernst Gombrich y la Historia del Arte: Una Perspectiva Integral

Ernst Gombrich, en su influyente obra, propone una visión de la historia del arte centrada en los artistas y la evolución de las ideas y retos técnicos.

1. La Esencia del Arte y sus Inicios Mágicos

Para Gombrich, "no existe el 'Arte' con A mayúscula, sino los artistas", personas que crean formas y colores para responder a necesidades específicas de su sociedad. En la Prehistoria, el arte tenía fines mágicos y religiosos, no estéticos.

• Prehistoria (Paleolítico Superior): El arte tenía fines mágicos, buscando asegurar el éxito en la caza (pinturas rupestres). Lo importante era la eficacia ritual, no la fidelidad visual.
• Neolítico: Con el sedentarismo, el arte se volvió más abstracto y esquemático, utilizando símbolos.

2. El Arte para la Eternidad: Egipto y el Mundo Antiguo

El arte egipcio se basaba en el conocimiento y reglas estrictas de estilo para asegurar la supervivencia del alma en la eternidad, mientras que Grecia inició el "gran despertar" al observar la naturaleza.

• Egipto: No dibujaban lo que veían, sino lo que sabían que existía (ley de frontalidad). Su sistema permaneció invariable por 3.000 años. El escultor era "El-que-mantiene-vivo".
• Grecia: Introdujo el escorzo y buscó el equilibrio entre las normas antiguas y el movimiento natural. Artistas como Praxíteles hicieron que la piedra pareciera "respirar" con belleza ideal e individual.
• Roma: Maestros en arquitectura utilitaria y de propaganda (arcos de triunfo, Coliseo). Destacaron por el realismo en sus retratos.

3. Del Imperio Romano a la Edad Media: Fe y Didáctica

La Edad Media transformó el arte en un vehículo para la fe, priorizando la claridad del mensaje sagrado sobre el realismo visual. El arte era "escritura para los iletrados".

• Estilo Románico (Siglo XII): Iglesias macizas ("Iglesia Militante") con bóvedas de piedra y ornamentación solemne y rígida.
• Estilo Gótico (Siglo XIII): "Iglesia Triunfante". Innovaciones como arcos apuntados y arbotantes permitieron paredes de vidrio coloreado, creando una atmósfera celestial. Las esculturas recuperaron vida y dignidad individual.

4. El Renacimiento: La Conquista de la Realidad

El Renacimiento (siglo XV) fue un "volver a nacer" de la gloria de la antigüedad clásica, marcado por el descubrimiento de la perspectiva y el dominio de la anatomía.

• Italia: Filippo Brunelleschi descubrió la perspectiva lineal. Leonardo da Vinci introdujo el sfumato (contornos borrosos). Miguel Ángel demostró el dominio de la anatomía y Rafael alcanzó la armonía y el equilibrio.
• Norte de Europa: Jan van Eyck logró el realismo a través de la acumulación paciente de detalles y el perfeccionamiento de la pintura al óleo. Alberto Durero fusionó el detalle nórdico con las reglas italianas.

5. Del Manierismo al Barroco y Rococó: Drama y Sofisticación

Estas etapas posteriores al Renacimiento exploraron nuevas formas de expresión, desde la artificiosidad hasta el dramatismo y la ligereza.

• Manierismo (1520s): Reacción contra la perfección, buscando lo artificioso y sofisticado (ej. Madona del cuello largo de Parmigianino).
• Barroco (Siglo XVII): Respondió con dramatismo (Pathos), luz (tenebrismo de Caravaggio) y movimiento (Bernini). Velázquez destacó por la observación objetiva y Rembrandt por la penetración en el corazón humano.
• Rococó (Siglo XVIII): Estilo aristocrático, decorativo y ligero, centrado en placeres mundanos y galanteo.

6. El Siglo XIX: La Ruptura de la Tradición

Las revoluciones Industrial y Francesa transformaron el arte, generando una ruptura entre el arte académico y los artistas independientes.

• Neoclasicismo: Recuperación de los ideales de orden y simetría de Grecia y Roma, con un sentido moralizante.
• Romanticismo: Exaltación de los sentimientos y la imaginación, introduciendo el concepto de "lo sublime".
• Realismo y Fotografía: El surgimiento de la fotografía impulsó a los pintores a buscar nuevas funciones, centrándose en la representación directa de la vida cotidiana sin embellecerla (Courbet, Millet).
• Impresionismo: Capturó cómo la luz afecta al color en un momento fugaz, abandonando los contornos nítidos (Monet, Renoir).
• Neoimpresionismo/Puntillismo: Lleva el impresionismo al extremo con la aplicación de puntos minúsculos de color puro que se mezclan ópticamente (Seurat, Signac).
• Postimpresionismo: Hereda recursos del Impresionismo pero busca una visión más subjetiva y emocional, base de las vanguardias del XX (Van Gogh, Cézanne, Gauguin).

7. El Siglo XX: El Arte Experimental y las Vanguardias

Ante el éxito de la fotografía, los artistas buscaron alternativas a la representación de la naturaleza, dando lugar a diversas vanguardias.

• Cézanne: Buscó la solidez estructural que el impresionismo había disuelto, precursando el Cubismo. Se le considera "el padre del arte moderno" por su geometrización de la forma y el uso del color como modelado.
• Van Gogh: Impulsó el Expresionismo, priorizando la intensidad emocional.
• Fauvismo (1904): Rechaza el espacio tridimensional (Matisse).
• Expresionismo (1905): Pone énfasis en el sentimiento del artista (Munch, Kirchner, Kandinsky).
• Cubismo (1907): Analiza objetos en fragmentos planos, explorando la multiperspectiva (Picasso, Braque).
• Futurismo (1909): Canta el amor al peligro y la velocidad (Boccioni).
• Constructivismo (1914), Suprematismo (1915), Dada (1916), Neoplasticismo (1917): Diversos movimientos que experimentan con la forma y la abstracción.
• Surrealismo (1924): Se centró en el mundo de los sueños y el inconsciente (Dalí, Magritte, Miró).
• Arte Experimental Post-WWII: Expresionismo abstracto (Pollock), Informalismo, Arte Óptico, Arte Conceptual, etc.

La Tecnología de la Imagen: Philippe Dubois y el Acto Fotográfico

Philippe Dubois analiza la fotografía como una "imagen técnica" cuya existencia depende de un dispositivo o máquina, articulando tres etapas fundamentales en su relación con la realidad.

1. La Imagen Técnica: Génesis Ajeiropoiética

La imagen técnica es un producto visual generado por una máquina, sin la mediación manual del artista. Esto la define como ajeiropoiética ("no hecha por la mano humana").

• Naturaleza Ajeiropoiética: Una creación sine manu facta (sin intervención manual) donde la luz capturada por un aparato óptico-químico genera la imagen. Se relaciona con el mito del "velo de Verónica" como huella.
• Modelos de Signo (Peirce): Dubois privilegia el modelo triádico de Charles S. Peirce para explicar la fotografía: Representamen (signo), Interpretante (quien interpreta) y Referente (objeto físico).
• Icono: El signo remite a su objeto por semejanza.
• Índice (Índex): El signo mantiene una relación de contigüidad física o conexión real con el objeto (ej. huella, cicatriz, humo).
• Símbolo: La relación entre signo y objeto está dictada por una convención social o código cultural.

2. Etapa 1: La Fotografía como Espejo de lo Real (Siglo XIX - Discurso de la Mimesis)

Durante el siglo XIX, la fotografía fue percibida como un "análogo" objetivo de la realidad, un espejo transparente que imitaba con perfección.

• Verosimilitud: Se creía en la transparencia absoluta de la fotografía como una reproducción mimética exacta de lo real.
• Crítica de Baudelaire: La consideró "servidora de las ciencias y de la memoria", negándole el estatus de arte, que debe ser "creación puramente imaginaria".
• Pictorialismo: A finales del XIX, este movimiento intentó elevar la fotografía a arte imitando la pintura (desenfoques, retoques manuales). Dubois señala que esto demostró su trampa en la lógica de la verosimilitud.
• Categoría de signo: Principalmente como Icono.

3. Etapa 2: La Fotografía como Transformación de lo Real (Siglo XX - Discurso del Código)

A partir del siglo XX, la fotografía se entiende como una construcción cultural y codificada, no como un espejo neutro. Se postula que la imagen es un Símbolo que requiere aprendizaje.

• Desnaturalización (Arnheim): Rudolf Arnheim identificó 7 factores que distorsionan la realidad en la fotografía: ángulo de visión, distancia, encuadre, reducción 3D a 2D, reducción cromática (B/N), punto de espacio-tiempo (instantánea), y carácter puramente visual.
• Crítica ideológica: La fotografía usa la perspectiva renacentista, una convención cultural y no una ley natural. Alan Sekulla afirmó: "No todos los hombres son iguales ante la fotografía", pues su sentido es cultural y requiere códigos.
• Diane Arbus: Usó el artificio (pose, encuadre) para revelar una "verdad interior" o "realidad intrínseca" de sus sujetos, mostrando que la foto es una construcción.
• Man Ray: Asociado al surrealismo, exploró las "especulaciones formales" y llevó la fotografía al arte conceptual en el "boom de las revistas".

4. Etapa 3: La Fotografía como Huella de una Realidad (Contemporáneo - Discurso del Índex)

Esta es la tesis central de Dubois: la fotografía como huella ontológica, donde el Índice prevalece. No importa si la imagen "se parece" al objeto, sino que "proviene" de él.

• El 'Noema' de Roland Barthes: La esencia de la fotografía es el "Esto ha sido" (ça a été). La foto es un "mensaje sin código" porque su valor primario es existencial (que estuvo allí) antes que semántico.
• Referente "Adherido": La fotografía y el objeto real son inseparables, una "emanación del referente", como una huella dactilar.
• Punctum: Un detalle azaroso de la foto que "pincha" o "hiere" de manera personal y subjetiva, diferente del interés general.
• Características técnicas del índice: Conexión física, singularidad (remite a un objeto único), designación (señala "esto") y atestiguamiento (prueba de que el acto fotográfico ocurrió).
• Primacía del Acto sobre el Sentido: Lo que define a la foto es el acto fotográfico (la sección espacio-tiempo), atestiguando la existencia antes que el significado.

Carlo Ginzburg: La Iconografía Política y el Pathosformel

Carlo Ginzburg utiliza el concepto de Aby Warburg del Pathosformel para analizar la eficacia de imágenes políticas, como el icónico cartel de reclutamiento de Lord Kitchener de 1914 ("Tu país te necesita").

Lord Kitchener y el Poder de la Imagen

El cartel, diseñado por Alfred Leete, fue crucial para reclutar a dos millones de hombres, logrando que una "orden externa fuera interiorizada" como decisión personal. La "imagen formadora" terminó por devorar la realidad del personaje real en la memoria colectiva.

La Noción de Pathosformeln de Warburg en Contexto Político

Las Pathosformeln son "fórmulas pictóricas que actúan como 'fórmulas mnemotécnicas' capaces de transmitir impulsos emocionales grabados en la memoria (engramas)".

• Transmisión y polaridad: Estas fórmulas pueden ser restauradas con nuevos significados según el contexto social. Una misma fórmula emocional puede cargarse de sentidos opuestos (ej. llamado heroico a incitación al odio).

Genealogía de los Dispositivos Visuales en el Cartel

El éxito del cartel de Kitchener se basa en la convergencia de recursos técnicos con raíces históricas:

• La Mirada Omnipresente: Vinculada a la "Minerva de Famulus" de Plinio y a los iconos religiosos analizados por Nicolás de Cusa, que miran al observador sin importar su posición, haciendo que cada espectador se sienta el único objetivo.
• El Dedo en Escorzo: Remite a una pintura de Alejandro Magno por Apeles, donde los dedos parecían proyectarse en relieve, creando una sensación de cercanía e intimidación. Este recurso se perfeccionó en Antonello da Messina, Miguel Ángel (Capilla Sixtina) y Caravaggio (La vocación de San Mateo).

La Publicidad y la "Guerra Comercial"

El lugar de nacimiento inmediato del cartel es el lenguaje de la publicidad moderna, que ya utilizaba figuras que señalaban agresivamente y el pronombre "TÚ" para captar la atención. El Estado británico adaptó estas técnicas de la "guerra comercial" para personificar el mensaje de la nación.

Ecos y Polarizaciones: El Gran Hermano

La influencia del póster de Kitchener se extendió globalmente (Tío Sam, versiones nazis). George Orwell basó el concepto del Gran Hermano en 1984 en sus recuerdos infantiles de estos carteles. Esto demuestra cómo la "fórmula emocional se mantiene" mientras el objetivo político se invierte.

Hito Steyerl: La Percepción en la Era Digital y la Caída Libre

Hito Steyerl, filósofa y artista, analiza el impacto de las tecnologías en las estructuras de poder y visibilidad, explorando la "condición de falta de fundamentos" en la era contemporánea.

La Condición de Caída Libre y la Falta de Fundamentos

Vivimos en un estado de "caída libre" permanente, sin una base estable para seguridades metafísicas o mitos políticos. No lo percibimos porque es relacional, y si todo cae con nosotros, "flotamos". Esta caída rompe los modos tradicionales de mirar y percibir.

Una Breve Historia del Horizonte: Tres Momentos Clave de la Configuración Visual

Steyerl investiga cómo el horizonte ha funcionado como dispositivo visual y de poder en tres etapas:

1. El Horizonte de los Primeros Navegantes (Pre-Renacimiento): Herramienta de orientación y expansión del mercado. El sextante crea un "horizonte virtual o estable" (ficticio) para compensar el horizonte real e inestable, permitiendo una ilusión de estabilidad.
2. La Perspectiva Lineal (Renacimiento - Siglo XV): Basada en un punto de fuga único, un horizonte recto y un observador inmóvil y monocular. Panofsky señala que no es "natural" ni "objetiva", sino una abstracción científica que ignora la curvatura de la Tierra, aplana el horizonte artificialmente y decreta un espacio matemático infinito. Fue una matriz de propaganda y dominio, permitiendo la expansión colonial. Hito sugiere que "porta la semilla de su propia destrucción" al presentarse como universal.
3. La Perspectiva Vertical / Arriba-Abajo (Siglo XXI): Marcada por la mirada de satélites, drones y Google Maps ("ojo de Dios" o "ojo de halcón"). El poder se traza en capas horizontales apiladas, controlando biopolíticamente. Produce un observador flotante y un piso estable imaginario para ocultar la caída libre, radicalizando la mirada dominante en la guerra y el entretenimiento.

La Ruina de la Perspectiva Lineal y la Aceleración

Entre el segundo y tercer momento ocurre una ruptura fundamental:

• La Ruina (Siglo XIX): En El barco de esclavos de J.M.W. Turner, el horizonte se agita y el punto de fuga desaparece, mostrando la "cara homicida" del futuro calculable.
• Aceleración (Siglo XX): El montaje cinematográfico desestabiliza la perspectiva y quiebra el tiempo lineal. El cubismo y el collage multiplican los puntos de vista, mientras que la aviación y la mecánica cuántica desmantelan la estabilidad del sujeto moderno.

Conclusiones sobre la Percepción y el Poder

Steyerl destaca varios puntos clave sobre la percepción contemporánea:

• Sujeto y Objeto: La distinción entre personas y cosas se confunde en la caída libre.
• Mirada Descorporeizada: La perspectiva vertical evacua el punto de vista humano, siendo una mirada remota e impersonal.
• Libertad Representacional: Aceptar la falta de bases permite una nueva libertad. El cine contemporáneo crea nuevos mundos con hiperrealidad y montaje multifocal.
• Soberanía 3D: El control social actual es estratificado y verticalizado, gestionando la desigualdad desde el aire.

Preguntas Frecuentes (FAQ) sobre Historia del Arte y Teoría Visual

¿Cuáles son las diferencias clave entre formalismo e iconografía en historia del arte?

El formalismo se centra en la forma, el estilo y la técnica de la obra, interpretando la historia del arte como una sucesión de estilos. Por otro lado, la iconografía se enfoca en el mensaje, el contenido y el significado de lo representado, identificando motivos y alegorías. Warburg criticaba ambas por ser simplificaciones, buscando una "psicología de la imagen" más profunda.

¿Qué es el concepto de Pathosformel de Aby Warburg y por qué es importante?

El Pathosformel, o "fórmulas de emoción", son gestos o expresiones de intensa emoción que se originaron en la Antigüedad y reaparecen en el arte posterior, funcionando como "engramas" en la memoria colectiva. Son importantes porque demuestran cómo las emociones y la memoria sobreviven y se reactivan a través de las imágenes a lo largo de los siglos, influyendo en el significado de la obra en distintos contextos.

¿Cómo contribuyó Ernst Gombrich a nuestra comprensión de la historia del arte?

Ernst Gombrich nos enseñó que "no existe el 'Arte' con A mayúscula, sino los artistas" que responden a necesidades específicas de su sociedad. Su enfoque es que el arte es una cadena continua de tradiciones donde cada generación se relaciona con la anterior, y que cada avance técnico en una dirección (como el realismo) suele implicar una pérdida en otra. Sus estudios detallan la evolución desde los inicios mágicos hasta las vanguardias del siglo XX.

¿Qué significa la "naturaleza ajeiropoiética" de la fotografía según Philippe Dubois?

La "naturaleza ajeiropoiética" de la fotografía significa que es una imagen "no hecha por la mano humana" (sine manu facta). Dubois explica que la fotografía es un producto técnico donde la imagen se forma por procesos físicos y químicos (la luz que toca la superficie sensible) sin intervención manual directa del artista. Esto le otorga una supuesta objetividad y la convierte en un "testimonio de una presencia real".

¿Qué es la perspectiva vertical según Hito Steyerl y cómo afecta nuestra visión del mundo actual?

La perspectiva vertical, según Hito Steyerl, es la mirada omnisciente y descorporeizada de tecnologías como satélites, drones y Google Maps. Esta visión "arriba-abajo" representa una nueva forma de poder y control social, donde la vigilancia se ejerce desde las alturas. Afecta nuestra visión del mundo al imponer una jerarquía visual, creando un "observador flotante" y un "piso estable imaginario" que oculta la condición de "caída libre" en la que vivimos.